Påskedag
Oppstandelsen: det største beviset på Guds barmhjertighet
Mange kunstnere har ønsket å representere denne ekstraordinære begivenheten som involverte hele universet og har etterlatt oss viktige mesterverk.
Den engelske forfatteren og filosofen Aldous Huxley (1894/1963) gikk så langt som i 1924 å definere Piero della Francescas Resurrection of Christ som "det vakreste maleriet i verden". Dette verket, utført mellom 1463 og 1468, er bevart i Museo Civico i Sansepolcro, der den italienske maleren og matematikeren ble født og døde (1416/1492). Austen Henry Layard, en britisk diplomat og kunstkritiker på 1800-tallet, sier at Kristus som er avbildet er "begavet med en skremmende og overjordisk majestet i hans oppførsel, i hans store øyne festet i tomrommet og i ansiktstrekk, til tross for dem , avslappet".
Figuren av den oppstandne står oppreist, med en fot hvilende på kanten av sarkofagen, for å understreke hans utgang fra graven, fra død til liv. Høytidelig og hieratisk viser han sin fysisk perfekte kropp, ikke lenger torturert, men med merkene på neglene og siden, mens han holder korsfarerbanneret, emblemet for sin triumf. Jesus står i sentrum av komposisjonen og deler landskapet bak seg i to deler, til venstre vinterlig og døende og til høyre frodig og sommerlig. Horisontens linje, på himmelen skyggelagt som om det var ved daggry, fremhever Jesu skuldre og hode, med hans uuttrykksløshet, et tegn på styrke, mot følelsenes uenighet. Fire romerske soldater sover ved foten av sarkofagen, et tegn på kontrast mellom søvn, menneskelig og jordisk svakhet, og aktsomheten til guddommeligheten som alltid holder vakt. Alle karakterene er lenket av et klart, dagligdags og diffust lys, der all bevegelse er eliminert fordi ubeveglighet, for forfatteren, er et tegn på uforanderlighet og derfor på perfeksjon. Farge er mediet som lar lyset danne volumer, og vi finner det dyktig brukt, som i alle hans verk. Her er alt utsatt for svært studerte korrespondanser og inversjoner. Selv chiaroscuro reagerer ikke på reglene i den kjente billedtradisjonen, men skyggene blir fargeområder, som på grunn av sin plassering reflekterer en minimal mengde lys som fremhever scenens majestet og hellighet.
Etter å ha hørt om oppstandelsen, løp apostlene Peter og Johannes raskt til graven den morgenen. Eugene Burnand (1850/1921), en kjent sveitsisk protestantisk maler, skjønte viktigheten av dette øyeblikket og oversatte det til et fantastisk verk fra 1898, nå i Musée d'Orsay i Paris. Her løper den unge Johannes i sin hvite tunika, symbol på oppstandelsen, og en moden Peter, ansiktet preget av dype rynker, i samme retning: graven. Apostlene fremstår som to enkle mennesker, uten tegn til herlighet, og sammen løper de mot sannheten. På tross av de vanlige tradisjonene har forfatteren plassert graven utenfor maleriets grenser, mens restene av de tre korsene knapt er synlige i det fjerne. To elementer er avgjørende: luft og lys.
Luften moser håret til John, som løper rett foran Peter, som med høyre hånd nesten holder kappen tilbake, håret hans beveget seg også av den friske morgenluften. Johns sammenslåtte hender, Peters hånd på hjertet og ansiktene deres så uttrykksfulle, beskriver all angsten, håpet i miraklet, den mulige skuffelsen. Kvalen over sannsynlig fiasko, ønsket om å se ham igjen, all tumulten av følelser kommer beundringsverdig til uttrykk i dette mesterverket. Det er lyset fra det gyldne morgengry som følger apostlene når de løper mot målet og reflekteres i pupillene i øynene deres.
Å beundre et mesterverk gjør oss ofte målløse, akkurat som få ord kan uttrykke storheten til et geni som Michelangelo Buonarroti. Også han fikk i oppdrag en Kristus forløseren av Metello Vari, som skulle plasseres i kirken Santa Maria sopra Minerva i Roma. Arbeidet, mer enn to meter høyt, ble påbegynt av kunstneren med stor iver, men mens han skulpturerte ansiktet, dukket det opp en mørk åre i marmoren som vansiret ansiktet. Michelangelo dro for å jobbe med denne blokken, som sannsynligvis ble ferdig mange år etter at den ble funnet, av en veldig ung Bernini, og i 1519/20 viet han seg til en ny versjon.
Denne statuen viste seg også å være uegnet for mesterens idé, som tilbød seg å lage en tredje. Lånetakerne var imidlertid "fornøyde" med de to første. Den andre statuen ble derfor plassert i basilikaen 27. desember 1521. Den oppreiste Kristus, modellert som en gresk statue, lener seg på et stort kors med begge hender og holder noen instrumenter av sin lidenskap. Han vender blikket mot motsatt side og vrir forsiktig på brystet, mens høyre ben beveger seg frem for en mer stabil holdning. Anatomisk perfekt, etter konsilet i Trent ble imidlertid kroppens nakenhet dekket av et forgylt bronsedraperi. Hele figuren viser renessansens balanse og høytidelighet som er verdig den herlige, triumferende kroppen som majestetisk vender blikket mot den andre siden av korset, mot uendeligheten, mot evigheten, mot oppstandelsen av hele menneskeheten, for alltid gjenstand for Guds nåde.
Paola Carmen Salamino
Bilde
- Paola Carmen Salamino