pääsiäispäivä
Ylösnousemus: suurin todiste Jumalan armosta
Monet taiteilijat ovat halunneet edustaa tätä poikkeuksellista tapahtumaa, joka kosketti koko maailmankaikkeutta ja jätti meille tärkeitä mestariteoksia.
Englantilainen kirjailija ja filosofi Aldous Huxley (1894/1963) meni niin pitkälle, että määritteli vuonna 1924 Piero della Francescan Kristuksen ylösnousemuksen "maailman kauneimmaksi maalaukseksi". Tämä vuosina 1463–1468 toteutettu teos on säilytetty Museo Civicossa Sansepolcrossa, jossa italialainen taidemaalari ja matemaatikko syntyi ja kuoli (1416/1492). Austen Henry Layard, brittiläinen 1800-luvun diplomaatti ja taidekriitikko, sanoo, että kuvatulla Kristuksella on "pelottava ja epämainen majesteettisuus käytöksessään, suurissa tyhjyyteen kiinnittyneissä silmissään ja piirteissään niistä huolimatta. , rento".
Ylösnousseen hahmo seisoo pystyssä, toinen jalka lepää sarkofagin reunalla korostaakseen hänen poistumistaan haudasta, kuolemasta elämään. Juhlallisena ja hieraattisena hän näyttää fyysisesti täydellisen vartalonsa, jota ei enää kiduteta, vaan naulojen ja kyljen jälkiä, pitäen samalla ristiretkeläislippua, voittonsa tunnusmerkkiä. Jeesus on teoksen keskellä ja jakaa takanaan olevan maiseman kahteen osaan, vasemmalla talviseen ja kuolevaan ja oikealla vehreään ja kesäiseen osaan. Taivaalla kuin aamunkoitteessa varjostettu horisontin viiva korostaa Jeesuksen olkapäitä ja päätä hänen ilmaisukyvyttömyytensä, voiman merkkinä tunteiden ristiriitaisuutta vastaan. Neljä roomalaista sotilasta nukkuu sarkofagin juurella, mikä on merkki kontrastista unen, inhimillisen ja maallisen heikkouden sekä aina valvovan jumaluuden valppauden välillä. Kaikki hahmot on lumottu kirkkaalla, vuorokauden ja hajavalolla, jossa kaikki liike on eliminoitunut, koska liikkumattomuus on tekijälle merkki muuttumattomuudesta ja siten täydellisyydestä. Väri on se väline, joka antaa valon muodostaa volyymia, ja sitä on käytetty taitavasti, kuten kaikissa hänen teoksissaan. Täällä kaikki on alistettu hyvin tutkituille vastaavuuksille ja käänteisille. Chiaroscurokaan ei vastaa tunnetun kuvaperinteen sääntöihin, vaan varjoista muodostuu värialueita, jotka sijaintinsa vuoksi heijastavat minimaalisen määrän valoa, joka korostaa kohtauksen majesteettisuutta ja pyhyyttä.
Kuultuaan ylösnousemuksesta apostolit Pietari ja Johannes juoksivat nopeasti haudalle sinä aamuna. Eugene Burnand (1850/1921), tunnettu sveitsiläinen protestanttinen taidemaalari, ymmärsi tämän hetken tärkeyden ja käänsi sen vuoden 1898 upeaksi teokseksi, joka on nyt Musée d'Orsayssa Pariisissa. Täällä nuori Johannes valkoisessa tunikassaan, ylösnousemuksen symboli, ja kypsä Pietari, hänen kasvonsa syvien ryppyjen leimaamana, juoksevat kohti samaa: hautaa. Apostolit näyttävät kahdelta yksinkertaiselta ihmiseltä, joilla ei ole mitään kirkkauden merkkiä, ja yhdessä he juoksevat kohti totuutta. Tavanomaisia perinteitä uhmaten kirjoittaja on sijoittanut haudan maalauksen rajojen ulkopuolelle, kun taas kolmen ristin jäänteet näkyvät tuskin kaukaa. Kaksi tekijää ovat ratkaisevia: ilma ja valo.
Ilma sotkee Johanneksen hiuksia, joka juoksee juuri Pietarin edellä, joka oikealla kädellä melkein pitää viittaansa, ja hänen hiuksiaan liikutti myös raikas aamuilma. Johanneksen yhteen liitetyt kädet, Pietarin käsi hänen sydämellään ja heidän kasvonsa niin ilmeikkäät, kuvaavat kaikkea ahdistusta, toivoa ihmeessä, mahdollista pettymystä. Todennäköisen epäonnistumisen tuska, halu nähdä hänet uudelleen, kaikki tunteiden myrsky ilmaistaan ihailtavasti tässä mestariteoksessa. Se on kultaisen aamunkoiton valo, joka seuraa apostoleja heidän juokseessaan kohti tavoitettaan ja heijastuu heidän silmäpupilleihinsa.
Mestariteoksen ihailu jättää meidät usein sanattomaksi, aivan kuten muutamalla sanalla voidaan ilmaista Michelangelo Buonarrotin kaltaisen neron suuruutta. Hänkin sai Metello Varin toimeksiannon Kristus Lunastajan sijoitettavaksi Santa Maria sopra Minervan kirkkoon Roomaan. Yli kaksi metriä korkean työn taiteilija aloitti suurella innolla, mutta kasvoja veistettäessä marmoriin ilmestyi tumma suoni, joka vääristeli kasvoja. Michelangelo lähti työskentelemään tämän korttelin parissa, jonka hyvin nuori Bernini luultavasti valmistui monta vuotta sen löytämisen jälkeen, ja vuosina 1519/20 hän omistautui uudelle versiolle.
Tämä patsas osoittautui myös sopimattomaksi mestarin ideaan, joka tarjoutui valmistamaan kolmannen. Suojelijat olivat kuitenkin "tyytyväisiä" kahteen ensimmäiseen. Toinen patsas sijoitettiin siksi basilikaan 27. joulukuuta 1521. Kreikkalaisen patsaan mallin mukainen pystysuora Kristus nojaa molemmin käsin suureen ristiin ja pitää kädessään joitakin kärsimyksensä välineitä. Hän kääntää katseensa vastakkaiselle puolelle ja vääntelee pehmeästi rintaansa, kun taas hänen oikea jalkansa etenee vakaampaan asentoon. Anatomisesti täydellinen, mutta Trenton kirkolliskokouksen jälkeen ruumiin alastomuutta peitti kullattu pronssinen verho. Koko kuva osoittaa, että renessanssin tasapaino ja juhlallisuus on sen loistokkaan, voittoisa ruumiin arvoista, joka majesteettisesti kääntää katseensa ristin toiselle puolelle, kohti äärettömyyttä, kohti ikuisuutta, kohti koko ihmiskunnan ylösnousemusta, ikuisesti Jumalan kohteena. armo.
Paola Carmen Salamino
Kuva
- Paola Carmen Salamino