Domingo de Pascua
La Resurrección: la mayor prueba de la Misericordia de Dios
Muchos artistas han querido representar este extraordinario acontecimiento que involucró a todo el universo y nos ha dejado importantes obras maestras.
El escritor y filósofo inglés Aldous Huxley (1894/1963) llegó incluso a definir, en 1924, la Resurrección de Cristo de Piero della Francesca como "el cuadro más bello del mundo". Esta obra, realizada entre 1463 y 1468, se conserva en el Museo Civico de Sansepolcro, donde nació y murió el pintor y matemático italiano (1416/1492). Austen Henry Layard, diplomático y crítico de arte británico del siglo XIX, dice que el Cristo representado está “dotado de una majestad aterradora y sobrenatural en su comportamiento, en sus grandes ojos fijos en el vacío y en sus rasgos, a pesar de ellos”. , relajado”.
La figura del Resucitado se encuentra erguida, con un pie apoyado en el borde del sarcófago, para enfatizar su salida del sepulcro, de la muerte a la vida. Solemne y hierático, muestra su cuerpo físicamente perfecto, ya no torturado, sino con las marcas de los clavos y el costado, mientras sostiene el estandarte cruzado, emblema de su triunfo. Jesús está en el centro de la composición y divide el paisaje detrás de él en dos partes, a la izquierda, invernal y moribunda, y a la derecha, exuberante y veraniega. La línea del horizonte, en el cielo sombreado como durante el alba, resalta los hombros y la cabeza de Jesús, con su inexpresividad, signo de fuerza, contra la discordia de los sentimientos. Cuatro soldados romanos duermen al pie del sarcófago, signo de contraste entre el sueño, la debilidad humana y terrena, y la vigilancia de la divinidad que siempre vigila. Todos los personajes están encadenados por una luz clara, diurna y difusa, donde se elimina todo movimiento porque la inmovilidad, para el autor, es signo de inmutabilidad y por tanto de perfección. El color es el medio que permite que la luz forme volúmenes y lo encontramos hábilmente utilizado, como en todas sus obras. Aquí todo está sometido a correspondencias e inversiones muy estudiadas. Incluso los claroscuros no responden a las reglas de la tradición pictórica conocida, sino que las sombras se convierten en zonas de color que, por su posición, reflejan una mínima cantidad de luz que acentúa la majestuosidad y sacralidad de la escena.
Al enterarse de la resurrección, los apóstoles Pedro y Juan corrieron rápidamente al sepulcro esa mañana. Eugene Burnand (1850/1921), un conocido pintor protestante suizo, captó la importancia de este momento y lo tradujo en una obra maravillosa de 1898, ahora en el Museo de Orsay de París. Aquí el joven Juan con su túnica blanca, símbolo de la resurrección, y un Pedro maduro, con el rostro marcado por profundas arrugas, corren en la misma dirección: la tumba. Los apóstoles aparecen como dos personas sencillas, sin ningún signo de gloria, y juntos corren hacia la verdad. Desafiando las tradiciones habituales, el autor ha colocado la tumba fuera de los límites del cuadro, mientras que los restos de las tres cruces apenas son visibles a lo lejos. Dos elementos son decisivos: el aire y la luz.
El aire revuelve el cabello de Juan, que corre justo delante de Pedro, quien con la mano derecha casi sujeta su manto, su cabello también movido por el aire fresco de la mañana. Las manos unidas de Juan, la mano de Pedro sobre su corazón y sus rostros tan expresivos, describen toda la ansiedad, la esperanza en el milagro, la posible desilusión. La angustia del probable fracaso, el deseo de volver a verlo, todo el tumulto de emociones se expresa admirablemente en esta obra maestra. Es la luz del amanecer dorado que acompaña a los apóstoles mientras corren hacia su meta y se refleja en las pupilas de sus ojos.
Admirar una obra maestra muchas veces nos deja sin palabras, del mismo modo que pocas palabras pueden expresar la grandeza de un genio como Miguel Ángel Buonarroti. A él también le encargó un Cristo Redentor de Metello Vari, para colocarlo en la iglesia de Santa María sopra Minerva en Roma. La obra, de más de dos metros de altura, fue iniciada por el artista con gran ilusión, pero mientras esculpía el rostro, surgió en el mármol una veta oscura que desfiguró el rostro. Miguel Ángel se fue a trabajar en este bloque, que probablemente fue terminado muchos años después de su descubrimiento, por un muy joven Bernini y, en 1519/20, se dedicó a una nueva versión.
Esta estatua tampoco se ajustaba a la idea del maestro, quien se ofreció a hacer una tercera. Los mecenas, sin embargo, se mostraron "satisfechos" con los dos primeros. Por lo tanto, la segunda estatua fue colocada en la basílica el 27 de diciembre de 1521. El Cristo erguido, modelado como una estatua griega, se apoya con ambas manos en una gran cruz y sostiene algunos instrumentos de su Pasión. Gira su mirada hacia el lado opuesto y gira suavemente su pecho, mientras su pierna derecha avanza para una postura más estable. Anatómicamente perfecto, sin embargo, después del Concilio de Trento, la desnudez del cuerpo fue cubierta por un cortinaje de bronce dorado. Toda la figura muestra ese equilibrio y solemnidad renacentista dignos de ese cuerpo glorioso y triunfante que dirige majestuosamente su mirada al otro lado de la cruz, hacia el infinito, hacia la eternidad, hacia la resurrección de toda la humanidad, objeto para siempre de la voluntad de Dios. misericordia.
Paola Carmen Salamino
concurso de
- Paola Carmen Salamino