Paaszondag
De opstanding: het grootste bewijs van Gods barmhartigheid
Veel kunstenaars hebben deze buitengewone gebeurtenis, waarbij het hele universum betrokken was, willen vertegenwoordigen en hebben ons belangrijke meesterwerken nagelaten.
De Engelse schrijver en filosoof Aldous Huxley (1894/1963) ging zelfs zo ver dat hij in 1924 Piero della Francesca's Wederopstanding van Christus omschreef als 'het mooiste schilderij ter wereld'. Dit werk, uitgevoerd tussen 1463 en 1468, wordt bewaard in het Museo Civico in Sansepolcro, waar de Italiaanse schilder en wiskundige werd geboren en stierf (1416/1492). Austen Henry Layard, een Britse diplomaat en kunstcriticus uit de 1800e eeuw, zegt dat de afgebeelde Christus ‘begiftigd is met een angstaanjagende en onaardse majesteit in zijn gedrag, in zijn grote ogen die in de leegte gefixeerd zijn, en in zijn gelaatstrekken, ondanks , ontspannen".
De figuur van de Verrezene staat rechtop, met één voet op de rand van de sarcofaag, om zijn vertrek uit het graf, van de dood naar het leven, te benadrukken. Plechtig en hiëratisch toont hij zijn fysiek perfecte lichaam, niet langer gemarteld, maar met de sporen van de spijkers en de zijkant, terwijl hij het kruisvaardersvaandel vasthoudt, het embleem van zijn triomf. Jezus staat centraal in de compositie en verdeelt het landschap achter hem in twee delen: links winters en stervend en rechts weelderig en zomers. De lijn van de horizon, in de schaduw van de hemel alsof het ochtendgloren is, benadrukt de schouders en het hoofd van Jezus, met zijn onuitsprekelijke uitdrukkingskracht, een teken van kracht, tegen de onenigheid van gevoelens. Vier Romeinse soldaten slapen aan de voet van de sarcofaag, een teken van contrast tussen slaap, menselijke en aardse zwakte, en de waakzaamheid van de godheid die altijd de wacht houdt. Alle personages zijn geketend door een helder, dagdagelijks en diffuus licht, waarin elke beweging wordt geëlimineerd omdat immobiliteit voor de auteur een teken is van onveranderlijkheid en dus van perfectie. Kleur is het medium waarmee licht volumes kan vormen, en we vinden dat het vakkundig wordt gebruikt, zoals in al zijn werken. Hier wordt alles onderworpen aan zeer bestudeerde overeenkomsten en omkeringen. Zelfs het clair-obscur reageert niet op de regels van de bekende beeldtraditie, maar de schaduwen worden kleurvlakken, die door hun ligging een minimale hoeveelheid licht reflecteren, wat de majesteit en heiligheid van het tafereel accentueert.
Nadat ze van de opstanding hadden gehoord, renden de apostelen Petrus en Johannes die ochtend snel naar het graf. Eugene Burnand (1850/1921), een bekende Zwitserse protestantse schilder, begreep het belang van dit moment en vertaalde het in een prachtig werk uit 1898, nu in het Musée d'Orsay in Parijs. Hier rennen de jonge Johannes in zijn witte tuniek, symbool van de opstanding, en een volwassen Petrus, met zijn gezicht getekend door diepe rimpels, in dezelfde richting: het graf. De apostelen verschijnen als twee eenvoudige mensen, zonder enig teken van glorie, en samen rennen ze naar de waarheid. De auteur tart de gebruikelijke tradities en heeft de tombe buiten de grenzen van het schilderij geplaatst, terwijl de overblijfselen van de drie kruisen in de verte nauwelijks zichtbaar zijn. Twee elementen zijn doorslaggevend: lucht en licht.
De lucht wappert door het haar van Jan, die net voor Peter uit rent, die met zijn rechterhand zijn mantel bijna tegenhoudt, ook zijn haar wordt bewogen door de frisse ochtendlucht. De handen van John, de hand van Peter op zijn hart en hun gezichten zo expressief, beschrijven alle angst, de hoop op het wonder, de mogelijke teleurstelling. De angst voor een waarschijnlijke mislukking, het verlangen om hem weer te zien, al het tumult van emoties wordt op bewonderenswaardige wijze uitgedrukt in dit meesterwerk. Het is het licht van de gouden dageraad dat de apostelen vergezelt terwijl ze naar hun doel rennen en dat wordt weerspiegeld in de pupillen van hun ogen.
Het bewonderen van een meesterwerk maakt ons vaak sprakeloos, net zoals weinig woorden de grootsheid van een genie als Michelangelo Buonarroti kunnen uitdrukken. Ook hij kreeg van Metello Vari de opdracht een Christus de Verlosser te plaatsen in de kerk van Santa Maria sopra Minerva in Rome. Het werk, ruim twee meter hoog, begon door de kunstenaar met grote gretigheid, maar terwijl hij het gezicht vormde, ontstond er een donkere ader in het marmer die het gezicht misvormde. Michelangelo vertrok om aan dit blok, dat waarschijnlijk vele jaren nadat het werd gevonden, af te werken door een zeer jonge Bernini, en in 1519/20 wijdde hij zich aan een nieuwe versie.
Ook dit beeld bleek niet geschikt voor het idee van de meester, die aanbood een derde te maken. Over de eerste twee waren de opdrachtgevers echter 'tevreden'. Het tweede beeld werd daarom op 27 december 1521 in de basiliek geplaatst. De rechtopstaande Christus, gemodelleerd naar een Grieks beeld, leunt met beide handen op een groot kruis en houdt enkele instrumenten van zijn Passie vast. Hij richt zijn blik naar de andere kant en draait zachtjes zijn borst, terwijl zijn rechterbeen naar voren beweegt voor een stabielere houding. Anatomisch perfect, na het Concilie van Trente werd de naaktheid van het lichaam echter bedekt door een verguld bronzen gordijn. De hele figuur laat het evenwicht en de plechtigheid uit de Renaissance zien die dat glorieuze, triomfantelijke lichaam waardig is dat majestueus zijn blik richt naar de andere kant van het kruis, naar de oneindigheid, naar de eeuwigheid, naar de wederopstanding van de hele mensheid, voor altijd het voorwerp van Gods wil. genade.
Paola Carmen Salamino
Foto
- Paola Carmen Salamino