Ostersonntag
Die Auferstehung: der größte Beweis der Barmherzigkeit Gottes
Viele Künstler wollten dieses außergewöhnliche Ereignis darstellen, das das gesamte Universum umfasste und uns wichtige Meisterwerke hinterlassen hat.
Der englische Schriftsteller und Philosoph Aldous Huxley (1894/1963) ging 1924 sogar so weit, Piero della Francescas Auferstehung Christi als „das schönste Gemälde der Welt“ zu bezeichnen. Dieses zwischen 1463 und 1468 entstandene Werk wird im Museo Civico in Sansepolcro aufbewahrt, wo der italienische Maler und Mathematiker geboren wurde und starb (1416/1492). Austen Henry Layard, ein britischer Diplomat und Kunstkritiker des 1800. Jahrhunderts, sagt, dass der dargestellte Christus „mit einer erschreckenden und überirdischen Majestät ausgestattet ist in seinem Verhalten, in seinen großen Augen, die ins Leere gerichtet sind, und in seinen Gesichtszügen, trotz allem.“ , entspannt“.
Die Figur des Auferstandenen steht aufrecht und ruht mit einem Fuß auf dem Rand des Sarkophags, um seinen Ausstieg aus dem Grab, vom Tod ins Leben, hervorzuheben. Feierlich und hieratisch zeigt er seinen körperlich perfekten Körper, nicht mehr gefoltert, sondern mit den Spuren der Nägel und der Seite, während er das Kreuzfahrerbanner hält, das Symbol seines Triumphs. Jesus steht im Mittelpunkt der Komposition und teilt die Landschaft hinter ihm in zwei Teile, links winterlich und sterbend und rechts üppig und sommerlich. Die Horizontlinie am Himmel, die wie im Morgengrauen schattiert ist, hebt die Schultern und den Kopf Jesu hervor, mit seiner Ausdruckslosigkeit, einem Zeichen der Stärke gegen die Widersprüche der Gefühle. Vier römische Soldaten schlafen am Fuße des Sarkophags, ein Zeichen des Kontrasts zwischen Schlaf, menschlicher und irdischer Schwäche und der Wachsamkeit der Gottheit, die immer Wache hält. Alle Charaktere sind von einem klaren, täglichen und diffusen Licht umhüllt, in dem jegliche Bewegung eliminiert ist, denn Unbeweglichkeit ist für den Autor ein Zeichen der Unveränderlichkeit und damit der Perfektion. Farbe ist das Medium, das es dem Licht ermöglicht, Volumen zu bilden, und wir finden, dass es, wie in allen seinen Werken, geschickt eingesetzt wird. Hier unterliegt alles sehr einstudierten Korrespondenzen und Umkehrungen. Selbst das Hell-Dunkel entspricht nicht den Regeln der bekannten Bildtradition, sondern die Schatten werden zu Farbflächen, die aufgrund ihrer Position eine minimale Lichtmenge reflektieren, die die Erhabenheit und Heiligkeit der Szene betont.
Als die Apostel Petrus und Johannes von der Auferstehung hörten, rannten sie am Morgen schnell zum Grab. Eugene Burnand (1850/1921), ein bekannter protestantischer Schweizer Maler, erkannte die Bedeutung dieses Augenblicks und setzte ihn in einem wunderbaren Werk von 1898 um, das sich heute im Musée d'Orsay in Paris befindet. Hier laufen der junge Johannes in seiner weißen Tunika, Symbol der Auferstehung, und ein reifer Petrus, dessen Gesicht von tiefen Falten gezeichnet ist, in die gleiche Richtung: das Grab. Die Apostel erscheinen als zwei einfache Menschen, die kein Zeichen der Herrlichkeit tragen, und gemeinsam rennen sie der Wahrheit entgegen. Entgegen den üblichen Traditionen hat der Autor das Grab außerhalb des Gemäldes platziert, während die Überreste der drei Kreuze in der Ferne kaum sichtbar sind. Entscheidend sind zwei Elemente: Luft und Licht.
Die Luft zerzaust die Haare von John, der knapp vor Peter rennt, der mit der rechten Hand fast seinen Umhang zurückhält, auch seine Haare werden von der frischen Morgenluft bewegt. Die gefalteten Hände des Johannes, die Hand des Petrus auf seinem Herzen und ihre ausdrucksstarken Gesichter beschreiben all die Angst, die Hoffnung auf das Wunder, die mögliche Enttäuschung. Die Angst vor dem möglichen Scheitern, der Wunsch, ihn wiederzusehen, der ganze Aufruhr der Gefühle kommen in diesem Meisterwerk bewundernswert zum Ausdruck. Es ist das Licht der goldenen Morgenröte, das die Apostel auf ihrem Weg zum Ziel begleitet und sich in den Pupillen ihrer Augen widerspiegelt.
Die Bewunderung eines Meisterwerks macht uns oft sprachlos, so wenig Worte die Größe eines Genies wie Michelangelo Buonarroti ausdrücken können. Auch er erhielt von Metello Vari den Auftrag, einen Christus den Erlöser in der Kirche Santa Maria sopra Minerva in Rom aufzustellen. Das mehr als zwei Meter hohe Werk wurde vom Künstler mit großem Eifer begonnen, doch als er das Gesicht formte, trat eine dunkle Ader im Marmor hervor, die das Gesicht entstellte. Michelangelo überließ die Arbeit an diesem Block, der wahrscheinlich viele Jahre nach seiner Entdeckung fertiggestellt wurde, einem sehr jungen Bernini und widmete sich 1519/20 einer neuen Version.
Auch diese Statue erwies sich als ungeeignet für die Idee des Meisters, der anbot, eine dritte anzufertigen. Die Gäste waren jedoch mit den ersten beiden „zufrieden“. Deshalb wurde am 27. Dezember 1521 die zweite Statue in der Basilika aufgestellt. Der aufrechte Christus, einer griechischen Statue nachempfunden, stützt sich mit beiden Händen auf ein großes Kreuz und hält einige Instrumente seiner Passion. Er richtet seinen Blick auf die gegenüberliegende Seite und dreht sanft seine Brust, während sein rechtes Bein für eine stabilere Haltung vorgeschoben wird. Anatomisch perfekt, nach dem Konzil von Trient wurde die Nacktheit des Körpers jedoch von einem vergoldeten Bronzegewand bedeckt. Die gesamte Figur zeigt die Ausgewogenheit und Feierlichkeit der Renaissance, die jenem glorreichen, triumphierenden Körper würdig ist, der seinen Blick majestätisch auf die andere Seite des Kreuzes richtet, auf die Unendlichkeit, auf die Ewigkeit, auf die Auferstehung der gesamten Menschheit, die für immer das Objekt Gottes ist Barmherzigkeit.
Paola Carmen Salamino
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- Paola Carmen Salamino