påsk söndag
Uppståndelsen: det största beviset på Guds nåd
Många konstnärer har velat representera denna extraordinära händelse som involverade hela universum och har lämnat oss viktiga mästerverk.
Den engelske författaren och filosofen Aldous Huxley (1894/1963) gick så långt att han 1924 definierade Piero della Francescas Resurrection of Christ som "den vackraste målningen i världen". Detta verk, utfört mellan 1463 och 1468, finns bevarat i Museo Civico i Sansepolcro, där den italienske målaren och matematikern föddes och dog (1416/1492). Austen Henry Layard, en brittisk diplomat och konstkritiker från 1800-talet, säger att den avbildade Kristus är "begåvad med en skrämmande och överjordisk majestät i hans uppträdande, i hans stora ögon fästa i tomrummet och i hans drag, trots dem , avslappnad".
Figuren av den Uppståndne står upprätt, med ena foten vilande på kanten av sarkofagen, för att understryka hans utgång från graven, från döden till livet. Högtidligt och hieratisk visar han sin fysiskt perfekta kropp, inte längre torterad, utan med märken på spikarna och sidan, medan han håller korsfararbanern, emblem för sin triumf. Jesus står i centrum för kompositionen och delar in landskapet bakom sig i två delar, till vänster vintrigt och döende och till höger frodigt och somrigt. Horisontens linje, på himlen skuggad som i gryningen, framhäver Jesu axlar och huvud, med hans uttryckslöshet, ett tecken på styrka, mot känslornas oenighet. Fyra romerska soldater sover vid foten av sarkofagen, ett tecken på kontrast mellan sömn, mänsklig och jordisk svaghet och vaksamheten från den gudomlighet som alltid håller vakt. Alla karaktärer är omslutna av ett klart, dagligt och diffust ljus, där all rörelse elimineras eftersom orörlighet, för författaren, är ett tecken på oföränderlighet och därför på perfektion. Färg är det medium som låter ljuset bilda volymer, och vi finner det skickligt använt, som i alla hans verk. Här utsätts allt för mycket studerade korrespondenser och inversioner. Inte ens chiaroscuro svarar på reglerna i den kända bildtraditionen, utan skuggorna blir färgområden, som på grund av sin position reflekterar en minimal mängd ljus som accentuerar scenens majestät och helighet.
Efter att ha hört talas om uppståndelsen sprang apostlarna Petrus och Johannes snabbt till graven den morgonen. Eugene Burnand (1850/1921), en välkänd schweizisk protestantisk målare, förstod vikten av detta ögonblick och översatte det till ett fantastiskt verk från 1898, nu i Musée d'Orsay i Paris. Här springer den unge Johannes i sin vita tunika, symbol för uppståndelsen, och en mogen Petrus, hans ansikte markerat av djupa rynkor, åt samma håll: graven. Apostlarna framstår som två enkla människor, som inte bär några tecken på härlighet, och tillsammans springer de mot sanningen. Trots de vanliga traditionerna har författaren placerat graven utanför målningens gränser, medan resterna av de tre korsen knappt syns på avstånd. Två element är avgörande: luft och ljus.
Luften mosar i håret på John, som springer precis framför Peter, som med högerhanden nästan håller tillbaka sin mantel, även håret rört av den friska morgonluften. Johns sammanfogade händer, Peters hand på hjärtat och deras ansikten så uttrycksfulla, beskriver all oro, hoppet om miraklet, den möjliga besvikelsen. Kvalan över ett troligt misslyckande, önskan att se honom igen, allt tumult av känslor uttrycks beundransvärt i detta mästerverk. Det är ljuset från den gyllene gryningen som följer apostlarna när de springer mot sitt mål och reflekteras i deras ögonpupiller.
Att beundra ett mästerverk gör oss ofta mållösa, precis som få ord kan uttrycka storheten hos ett geni som Michelangelo Buonarroti. Även han fick i uppdrag av Metello Vari att placera en Kristus återlösaren i kyrkan Santa Maria sopra Minerva i Rom. Verket, mer än två meter högt, påbörjades av konstnären med stor iver, men när han skulpterade ansiktet framträdde en mörk ådra i marmorn som vanställde ansiktet. Michelangelo lämnade för att arbeta på detta block, som förmodligen blev färdigt många år efter det att det hittades, av en mycket ung Bernini och 1519/20 ägnade han sig åt en ny version.
Även denna staty visade sig vara olämplig för mästarens idé, som erbjöd sig att göra en tredje. Beskyddarna var dock "nöjda" med de två första. Den andra statyn placerades därför i basilikan den 27 december 1521. Den upprättstående Kristus, modellerad som en grekisk staty, lutar sig på ett stort kors med båda händerna och håller i några instrument av sin passion. Han vänder blicken åt motsatta sidan och vrider mjukt på bröstet, medan hans högra ben avancerar för en mer stabil hållning. Anatomiskt perfekt, efter konciliet i Trent täcktes dock kroppens nakenhet av ett förgyllt bronsdraperi. Hela figuren visar renässansens balans och högtidlighet värdig den härliga, triumferande kropp som majestätiskt vänder sin blick mot andra sidan korset, mot oändligheten, mot evigheten, mot hela mänsklighetens uppståndelse, för alltid föremål för Guds nåd.
Paola Carmen Salamino
Bild
- Paola Carmen Salamino