Duminica Paștelui
Învierea: cea mai mare dovadă a milostivirii lui Dumnezeu
Mulți artiști și-au dorit să reprezinte acest eveniment extraordinar care a implicat întregul univers și ne-au lăsat capodopere importante.
Scriitorul și filozoful englez Aldous Huxley (1894/1963) a mers atât de departe încât a definit, în 1924, Învierea lui Hristos a lui Piero della Francesca drept „cel mai frumos tablou din lume”. Această lucrare, executată între 1463 și 1468, se păstrează în Museo Civico din Sansepolcro, unde s-a născut și a murit pictorul și matematicianul italian (1416/1492). Austen Henry Layard, diplomat și critic de artă britanic al anilor 1800, spune că Hristosul înfățișat este „înzestrat cu o maiestate terifiantă și nepământeană în purtarea sa, în ochii săi mari ațintiți în vid și în trăsăturile sale, în ciuda lor. , relaxat”.
Figura celui Înviat stă în picioare, cu un picior sprijinit pe marginea sarcofagului, pentru a sublinia ieșirea sa din mormânt, de la moarte la viață. Solemn și hieratic, își arată trupul perfect din punct de vedere fizic, nu mai chinuit, ci cu urmele unghiilor și lateral, în timp ce ține steagul cruciat, emblemă a triumfului său. Iisus se află în centrul compoziției și împarte peisajul din spatele lui în două părți, în stânga iernat și pe moarte și în dreapta luxuriant și estival. Linia orizontului, pe cerul umbrit parcă în zori, evidențiază umerii și capul lui Iisus, cu inexpresivitatea lui, semn de forță, împotriva discordanței sentimentelor. Patru soldați romani dorm la picioarele sarcofagului, semn de contrast între somn, slăbiciune umană și pământească și vigilența divinității care veghează mereu. Toate personajele sunt înlănțuite de o lumină clară, diurnă și difuză, unde orice mișcare este eliminată deoarece imobilitatea, pentru autor, este un semn de imuabilitate și deci de perfecțiune. Culoarea este mediul care permite luminii să formeze volume și o găsim folosită cu pricepere, ca în toate lucrările sale. Aici totul este supus unor corespondențe și inversiuni foarte studiate. Chiar și clarobscurul nu răspunde regulilor tradiției picturale cunoscute, dar umbrele devin zone de culoare, care, datorită poziției lor, reflectă o cantitate minimă de lumină care accentuează măreția și sacralitatea scenei.
Auzind de înviere, apostolii Petru și Ioan au alergat repede la mormânt în acea dimineață. Eugene Burnand (1850/1921), un cunoscut pictor protestant elvețian, a înțeles importanța acestui moment și a tradus-o într-o lucrare minunată din 1898, aflată acum în Musée d'Orsay din Paris. Aici, tânărul Ioan în tunică albă, simbol al învierii, și un Petru matur, cu chipul marcat de riduri adânci, aleargă în aceeași direcție: mormântul. Apostolii apar ca doi oameni simpli, care nu poartă nici un semn de glorie și împreună aleargă spre adevăr. Sfidând tradițiile obișnuite, autorul a plasat mormântul în afara limitelor picturii, în timp ce rămășițele celor trei cruci sunt abia vizibile în depărtare. Două elemente sunt decisive: aerul și lumina.
Aerul zvâcnește părul lui John, care aleargă chiar înaintea lui Petru, care cu mâna dreaptă aproape că își reține mantia, părul mișcat și el de aerul proaspăt al dimineții. Mâinile unite ale lui Ioan, mâna lui Petru pe inima lui și fețele lor atât de expresive, descriu toată neliniștea, speranța în minune, posibila dezamăgire. Suferința eșecului probabil, dorința de a-l revedea, tot tumultul emoțiilor se exprimă admirabil în această capodoperă. Este lumina zorilor de aur care îi însoțește pe apostoli în timp ce alergă spre țelul lor și se reflectă în pupilele ochilor lor.
Admirarea unei capodopere ne lasă adesea cu gura căscată, la fel cum puține cuvinte pot exprima măreția unui geniu precum Michelangelo Buonarroti. Și el a fost însărcinat cu un Hristos Răscumpărător de către Metello Vari, pentru a fi așezat în biserica Santa Maria sopra Minerva din Roma. Lucrarea, înălțime de peste doi metri, a fost începută de artist cu mare nerăbdare, dar pe măsură ce sculpta chipul, în marmură a apărut o venă întunecată care a desfigurat chipul. Michelangelo a plecat să lucreze la acest bloc, care probabil a fost terminat la mulți ani după ce a fost găsit, de un foarte tânăr Bernini și, în 1519/20, s-a dedicat unei noi versiuni.
De asemenea, această statuie s-a dovedit a fi nepotrivită pentru ideea maestrului, care s-a oferit să facă o a treia. Patronii au fost însă „mulțumiți” de primii doi. A doua statuie a fost așadar plasată în bazilică la 27 decembrie 1521. Hristosul drept, modelat ca o statuie grecească, se sprijină cu ambele mâini pe o cruce mare și ține în mână câteva instrumente ale Patimilor sale. Își întoarce privirea în partea opusă și își răsucește ușor pieptul, în timp ce piciorul drept înaintează pentru o postură mai stabilă. Perfectă din punct de vedere anatomic, după Conciliul de la Trent însă, nuditatea corpului a fost acoperită de o draperie din bronz aurit. Întreaga figură arată acel echilibru renascentist și solemnitate demnă de acel trup glorios, triumfător, care își îndreaptă maiestuos privirea spre cealaltă parte a crucii, spre infinit, spre eternitate, spre învierea întregii omeniri, pentru totdeauna obiect al lui Dumnezeu. milă.
Paola Carmen Salamino
Fotografie
- Paola Carmen Salamino