Niedziela Wielkanocna
Zmartwychwstanie: najwspanialszy dowód miłosierdzia Bożego
Wielu artystów chciało reprezentować to niezwykłe wydarzenie, które zaangażowało cały wszechświat i pozostawiło nam ważne arcydzieła.
Angielski pisarz i filozof Aldous Huxley (1894/1963) posunął się nawet do tego, że w 1924 roku Zmartwychwstanie Chrystusa Piero della Francesca określił jako „najpiękniejszy obraz świata”. Dzieło to, wykonane w latach 1463–1468, przechowywane jest w Museo Civico w Sansepolcro, gdzie urodził się i zmarł (1416/1492) włoski malarz i matematyk. Austen Henry Layard, brytyjski dyplomata i krytyk sztuki XIX wieku, twierdzi, że przedstawiony Chrystus „jest obdarzony przerażającym i nieziemskim majestatem w postawie, w wielkich oczach utkwionych w pustce i w rysach, pomimo , zrelaksowany".
Postać Zmartwychwstałego stoi wyprostowana, z jedną nogą opartą na krawędzi sarkofagu, aby podkreślić Jego wyjście z grobu, ze śmierci do życia. Uroczysty i hieratyczny pokazuje swoje doskonałe fizycznie ciało, już nie torturowane, ale ze śladami gwoździ i boku, trzymając sztandar krzyżowca, symbol jego triumfu. Jezus znajduje się w centrum kompozycji i dzieli krajobraz za sobą na dwie części, po lewej stronie zimowej i umierającej, po prawej bujnej i letniej. Linia horyzontu, na niebie zacienionym jak o świcie, uwydatnia ramiona i głowę Jezusa, z jego niewyrażalnością, oznaką siły, wobec niezgody uczuć. U stóp sarkofagu śpi czterech rzymskich żołnierzy, znak kontrastu między snem, ludzką i ziemską słabością a czujnością boskości, która zawsze czuwa. Wszystkie postacie są okute jasnym, dziennym i rozproszonym światłem, w którym wszelki ruch jest wyeliminowany, ponieważ bezruch jest dla autora oznaką niezmienności, a zatem doskonałości. Kolor jest medium, które pozwala światłu tworzyć bryły i jak we wszystkich jego pracach wykorzystujemy go umiejętnie. Tutaj wszystko podlega bardzo przestudiowanym odpowiednikom i inwersjom. Nawet światłocień nie odpowiada zasadom znanej tradycji malarskiej, lecz cienie stają się obszarami koloru, które ze względu na swoje położenie odbijają minimalną ilość światła, co podkreśla majestat i świętość sceny.
Usłyszawszy o zmartwychwstaniu, tego ranka apostołowie Piotr i Jan pobiegli szybko do grobu. Eugene Burnand (1850/1921), znany szwajcarski malarz protestancki, uchwycił wagę tej chwili i przełożył ją na wspaniałe dzieło z 1898 roku, obecnie znajdujące się w Musée d'Orsay w Paryżu. Tutaj młody Jan w białej tunice, symbolu zmartwychwstania, i dojrzały Piotr, którego twarz naznaczona jest głębokimi zmarszczkami, biegną w tym samym kierunku: do grobu. Apostołowie jawią się jako dwaj prości ludzie, nie noszący znamion chwały i razem biegną ku prawdzie. Wbrew utartym tradycjom autor umieścił grób poza granicami malowidła, podczas gdy pozostałości trzech krzyży są ledwo widoczne w oddali. Decydujące są dwa elementy: powietrze i światło.
Powietrze mierzwi włosy Jana, który biegnie tuż przed Piotrem, który prawą ręką prawie podtrzymuje płaszcz, jego włosy również porusza świeże poranne powietrze. Złączone dłonie Jana, dłoń Piotra na sercu i ich twarze tak wyraziste, opisują cały niepokój, nadzieję w cud, możliwe rozczarowanie. Tęsknota za prawdopodobną porażką, chęć zobaczenia go ponownie, cały ten zgiełk emocji jest znakomicie oddany w tym arcydziele. Jest to światło złotego jutrzenki, które towarzyszy apostołom w drodze do celu i odbija się w źrenicach ich oczu.
Podziwianie arcydzieła często odbiera nam mowę, podobnie jak niewiele słów jest w stanie wyrazić wielkość geniuszu takiego jak Michał Anioł Buonarroti. On także otrzymał od Metello Vari zlecenie na Chrystusa Odkupiciela i miał go umieścić w kościele Santa Maria sopra Minerva w Rzymie. Wysokie na ponad dwa metry dzieło artysta rozpoczął z wielkim zapałem, jednak w miarę rzeźbienia twarzy w marmurze pojawiła się ciemna żyła, która zniekształciła twarz. Michał Anioł wyjechał do pracy nad tym blokiem, który prawdopodobnie został ukończony wiele lat po jego odnalezieniu, przez bardzo młodego Berniniego i w latach 1519/20 poświęcił się nowej wersji.
Posąg ten również okazał się nieprzystający do pomysłu mistrza, który zaproponował wykonanie trzeciego. Z dwóch pierwszych „satysfakcjonowali” jednak mecenasi. Dlatego też 27 grudnia 1521 r. w bazylice umieszczono drugą figurę. Pionowy Chrystus, wzorowany na posągu greckim, opiera się obiema rękami na dużym krzyżu i trzyma narzędzia swojej Męki. Odwraca wzrok w przeciwną stronę i delikatnie skręca klatkę piersiową, podczas gdy jego prawa noga przesuwa się, aby przyjąć bardziej stabilną postawę. Anatomicznie doskonałe, jednak po Soborze Trydenckim nagość ciała została przykryta draperią z pozłacanego brązu. Cała postać pokazuje, że renesansowa równowaga i powaga godna tego chwalebnego, triumfującego ciała, które majestatycznie kieruje wzrok na drugą stronę krzyża, w stronę nieskończoności, w stronę wieczności, w stronę zmartwychwstania całej ludzkości, będącej na zawsze przedmiotem Bożego miłosierdzie.
Paola Carmen Salamino
Zdjęcie
- Paola Carmen Salamino