Domingo de Páscoa
A Ressurreição: a maior prova da Misericórdia de Deus
Muitos artistas quiseram representar este acontecimento extraordinário que envolveu todo o universo e nos deixou importantes obras-primas.
O escritor e filósofo inglês Aldous Huxley (1894/1963) chegou a definir, em 1924, a Ressurreição de Cristo de Piero della Francesca como “a pintura mais bela do mundo”. Esta obra, executada entre 1463 e 1468, está preservada no Museu Cívico de Sansepolcro, onde nasceu e morreu o pintor e matemático italiano (1416/1492). Austen Henry Layard, um diplomata e crítico de arte britânico do século XIX, diz que o Cristo retratado é “dotado de uma majestade aterrorizante e sobrenatural em seu comportamento, em seus grandes olhos fixos no vazio e em suas feições, apesar deles. , relaxado”.
A figura do Ressuscitado permanece ereta, com um pé apoiado na borda do sarcófago, para enfatizar a sua saída do túmulo, da morte para a vida. Solene e hierático, mostra seu corpo fisicamente perfeito, não mais torturado, mas com as marcas dos pregos e da lateral, enquanto segura a bandeira dos cruzados, emblema de seu triunfo. Jesus está no centro da composição e divide a paisagem atrás dele em duas partes, à esquerda invernal e moribunda e à direita exuberante e estival. A linha do horizonte, no céu sombreado como se fosse de madrugada, realça os ombros e a cabeça de Jesus, com a sua inexpressividade, sinal de força, contra a discordância dos sentimentos. Quatro soldados romanos dormem aos pés do sarcófago, sinal de contraste entre o sono, a fraqueza humana e terrena e a vigilância da divindade que sempre vigia. Todos os personagens são acorrentados por uma luz clara, diurna e difusa, onde todo movimento é eliminado porque a imobilidade, para o autor, é sinal de imutabilidade e, portanto, de perfeição. A cor é o meio que permite à luz formar volumes, e encontramos-na habilmente utilizada, como em todas as suas obras. Aqui tudo está sujeito a correspondências e inversões muito estudadas. Mesmo o claro-escuro não responde às regras da tradição pictórica conhecida, mas as sombras tornam-se áreas de cor que, pela sua posição, reflectem uma quantidade mínima de luz que acentua a majestade e a sacralidade da cena.
Tendo ouvido falar da ressurreição, os apóstolos Pedro e João correram rapidamente para o túmulo naquela manhã. Eugene Burnand (1850/1921), um conhecido pintor protestante suíço, percebeu a importância deste momento e traduziu-o numa maravilhosa obra de 1898, agora no Musée d'Orsay, em Paris. Aqui o jovem João, com a sua túnica branca, símbolo da ressurreição, e um Pedro maduro, com o rosto marcado por rugas profundas, correm na mesma direção: o túmulo. Os apóstolos aparecem como duas pessoas simples, sem nenhum sinal de glória, e juntos correm em direção à verdade. Desafiando as tradições habituais, o autor colocou o túmulo fora dos limites da pintura, enquanto os restos das três cruzes são pouco visíveis à distância. Dois elementos são decisivos: o ar e a luz.
O ar bagunça os cabelos de João, que corre logo à frente de Pedro, que com a mão direita quase segura o manto, os cabelos também movimentados pelo ar fresco da manhã. As mãos unidas de João, a mão de Pedro no seu coração e os seus rostos tão expressivos, descrevem toda a ansiedade, a esperança no milagre, a possível desilusão. A angústia do provável fracasso, a vontade de vê-lo novamente, todo o tumulto das emoções estão admiravelmente expressos nesta obra-prima. É a luz da alvorada dourada que acompanha os apóstolos enquanto correm em direção ao seu objetivo e se reflete nas pupilas dos seus olhos.
Admirar uma obra-prima muitas vezes nos deixa sem palavras, assim como poucas palavras podem expressar a grandeza de um gênio como Michelangelo Buonarroti. Ele também recebeu um Cristo Redentor de Metello Vari, para ser colocado na igreja de Santa Maria sopra Minerva, em Roma. A obra, com mais de dois metros de altura, foi iniciada pelo artista com grande entusiasmo, mas à medida que esculpia o rosto, surgiu no mármore um veio escuro que desfigurou o rosto. Michelangelo partiu para trabalhar neste bloco, que provavelmente foi concluído muitos anos depois de ter sido encontrado, por um muito jovem Bernini e, em 1519/20, dedicou-se a uma nova versão.
Esta estátua também se revelou inadequada à ideia do mestre, que se ofereceu para fazer uma terceira. Os clientes, no entanto, ficaram “satisfeitos” com os dois primeiros. A segunda estátua foi, portanto, colocada na basílica em 27 de dezembro de 1521. O Cristo ereto, modelado como uma estátua grega, apoia-se com as duas mãos numa grande cruz e segura alguns instrumentos da sua Paixão. Ele vira o olhar para o lado oposto e torce suavemente o peito, enquanto a perna direita avança para uma postura mais estável. Anatomicamente perfeito, depois do Concílio de Trento, porém, a nudez do corpo foi coberta por uma cortina de bronze dourado. Toda a figura mostra aquele equilíbrio e solenidade renascentistas dignos daquele corpo glorioso e triunfante que dirige majestosamente o olhar para o outro lado da cruz, para o infinito, para a eternidade, para a ressurreição de toda a humanidade, para sempre objecto da missão de Deus. misericórdia.
Paola Carmem Salamino
Foto
- Paola Carmem Salamino